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TESTIGO EN PELIGRO

Director: Meter Weir
Año: 1983
Actores: Harrison Ford; Kelly McGillis; Josef Sommer; Lukas Hass; Brent Jennings; Viggo Mortensen

Cuando el joven de culto Amish, Samuel Lapp (L. Hass) ve el asesinato de un policía en el baño de la estación de trenes, se convierte en el único testigo de un homicidio. Tomando la protección del chico y de su madre, Rachel Lapp (K. McGillis), el policía John Book (H. Ford) busca al asesino mientras pasea a los Amish por una ciudad convulsionada.
En un principio, la historia capta el interés, por su buena puesta en escena y la proyección que tienen los personajes. John Book se presenta como un sujeto bastante arrogante y autoritario, que no tiene inconvenientes en sacar a golpes a un sospechoso de asesinato de un bar, tirarlo contra el patrullero y recién después preguntarle a Samuel si es el asesino. Hasta ahí, parece una película prometedora, con los matices de la violencia policial y la cierta burocracia con que se maneja el agente, mostrándose hermético a darle explicaciones a la señora Lapp.

Pero la historia quiebra su curso cuando Book descubre que dentro de la fuerza policial existen tantos intereses cruzados que la vida del chico corre más riesgo del que esperaba. Herido de bala, Book se refugia en la comunidad Amish, y lentamente comienza a aceptar sus costumbres.
La película entonces parece olvidar la trama policial para convertirse en un film algo más moralista, romántico y repleto de clichés.
Recién sobre el final la historia regresa a su trama, pero las resoluciones son tan simples que dejan sin convencimiento a quien esperase una película buena a partir de las primeras escenas.
Los personajes se tuercen al mismo tiempo que la historia, como si el inicio y el desarrollo constituyeran dos películas muy diferentes. Tal vez resulta más interesante ver los momentos de cierta comicidad en que el personaje de Ford intenta acostumbrarse a una vida sin revólveres ni televisión, o a los chistes típicamente de ¨forastero¨ que hace el protagonista. Pero no más que eso.
Una película con inicio interesante, que deja pagando.

PUNTUACIÓN: 7/10

ENRIQUE V

Director: Kenneth Branagh
Año: 1989
Actores: Kenneth Branagh; Derek Jacobi; Simon Shephherd; James Larkin; Emma Thompson, Robbie Coltrane

La segunda adaptación al cine de la obra de William Shakespiare es dirigida y protagonizada por el genial Kenneth Branagh, que encarga a un joven rey de Inglaterra que, manejado en gran medida por la iglesia e insultado por la corona Francesa, declara la guerra a la nación enemiga. Enrique V, además, debe luchar para elevar la moral de sus tropas y deshacer sus propias dudas y debilidades.
Una de las más formidables películas épicas, tanto por su atrapante atmósfera como por los momentos de gran profundidad en sus personajes. Si bien, como en toda adaptación de Shakespiare los diálogos parecen lisa y llanamente imposibles para ser escuchados de boca de guerreros, en su mayoría analfabetos, el mensaje con que se trabaja, es sumamente interesante. La película a veces se hunde en períodos de demasiada quietud y sus momentos previos a la batalla son quizás muy prolongados, pero superada la prueba iniciática, se gesta una gran película con características muy originales y que casi no volvieron a verse en filmaciones posteriores y con banales mensajes emotivos.
Momentos como la conversación en el fogón, la batlla final en Agincourt y las escenas entre Enrique V y la princesa encarnada por una fugaz Emma Thompson son grandes momentos de una película que, así como muestra a sus protagonistas tan humanos, como tales, no los diviniza hasta convertirlos en inmortales, sino que las bajas en la tropa de Enrique V son numerosas y con la crueldad que la situación exige, sin maquillar el drama ni darle un falso sentido de patriotismo para hacer de la muerte inocente algo digno. Contrariamente, se pone en tela de juicio muchos de estos asuntos, como la lealtad al rey y la responsabilidad de este sobre las bajas en sus tropas.

PUNTUACIÓN: 10/10

INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA

Director: Steven Spielberg (guión de George Lucas y Philip Kaufman)

Año: 1989

Actores: Sean Connery, Harrison Ford, Denholm Elliot; Alison Doody; Julian Glover

La tercera entrega de una de las trilogias más importantes del cine de acción-sci fi (junto a Star Wars y Volver al Futuro) muestra un costado quizás más humano y cómico de su personaje central. Indiana Jones (H. Ford) es el arqueólogo, ya catedrático en una reconocida universidad, que se embarca en su aventura, espiritualmente, más comprometida. La búsqueda del Santo Grial se remonta a casi dos milenios de profundo misterio, pero no es la gloria lo que incita a Indy a buscarlo, en esta ocasión, sino la liberación de su padre, el Dr Jones (S. Connery) en manos de los nazis.
En un recorrido por cuidades como Venecia y Alejandría, Indiana regresa a sus amigos presentados en Los Cazadores del Arca Perdida, como el torpe profesor Marcus Brody (D. Elliott) y el poco ortodoxo Vogel.
Hery Jones tuvo como gran pasión en la vida descubrir el paradero de la copa sagrada, y sus anotaciones en un viejo cuaderno son el primer botín que se disputan los nazis y las dos generaciones Jones.
No sólo encontramos en La Última Cruzada el perfil más simpático de Indiana Jones, sino que se trata de una película coherente hacia sus dos antecesoras y con una dosis de aventura que mantiene el mismo nivel de interés de siempre. Se amplia el horizonte de las relaciones entre los personajes, con estos caracteres que eran ya viejas caras conocidas y la actuación de Sean Connery provoca una tan buena química con Harrison Ford que generan un ambiente aparte, planteada la clásica falta de comunicación entre un padre apasionado con su trabajo y un hijo de imperante temperamento aventurero.
Incluso se realiza un flash back al origen de ciertos íconos de las películas, como el sombrero de Indiana y su látigo, con algunos mensajes bromistas algo más solapados, como el corte en el mentón de Indy, hecho la primera vez que usó un látigo y cuya cicatriz siempre fue muy visible en la cara de Harrison Ford.
Sin perder de vista el objetivo, la película parece más distendida que otras con respecto a los momentos de humor y a las conversaciones de Henry Jones y su hijo Indiana que no tienen desperdicio en ningún caso.
No hay que olvidar esto mismo: el objetivo del film. Indiana Jones nunca prentendió ser una película con elementos y conceptos filosóficos que hicieran bisagra, sino en un entretenimiento de buen nivel del que se nutrieron muchos títulos posteriores, y con elementos, a su vez, que mezclan la acción moderna, los mitos más antiguos, la estética de western y una ambientación perfecta de los años cuarenta. Sería un error buscar el sentido pretensioso del film, por lo que hay que tomarlo desde el plano en que se halla: el de innovar argumentalmente dentro de una película con grandes (y diferentes) influencias.

Una gran obra de cierre de trilogía, que dará su secuela en 2006, con la cuarta ( y última?) entrega de la que ya se convirtió en una saga monumental.

PUNTUACIÓN: 10/10

BLADE RUNNER

Año: 1982
Director: Ridley Scott

Actores: Harrison Ford; Sean Young; William Sanderson; Joe Turkel
País: EEUU

En el año 2020, gran parte de la población terrestre ha decidido emigrar al espacio, y en el planeta que originó a la humanidad tan sólo quedan grupos marginales. Ciertos humanos creados en un laboratorio, a los que se ha denominado replicantes, tienen la obligación de permanecer en el espacio extraterrenal para realizar diversas tareas. El regreso al planeta significaría su inmediata ejecución por policías especializados en impedir dicho rompimiento de la regla. Deckard (H. Ford) es un policía retirado, taciturno y algo ciclotímico, al que le es encomendada la misión de hallar a cuatro replicantes que arribaron a la Tierra. En un principio contra su voluntad, el Blade Runner (policía anti-replicantes) no se ve interesado en la misión, pero los riebetes que va cobrando la historia, amén de un romance con la replicante perseguida en cuestión, hacen que se vea envuelto en una carrera vertiginosa de cazadores y presas.
La ambientación es de una espectacular opresión, tanto por su clima turbulento como por la neblina espesa y los haces de luz que entrecortan las calles.
Los personajes, poco alejados de la actualidad.
Blade Runner es un clásico de la ciencia ficción y una película sensible en cuanto a los asuntos existenciales que toca en sus últimas escenas. Mientras que al principio los replicantes se nos dibujan como humanoides acechantes, acabamos comprendiendo que no son más que hombres en busca de su origen, razón por la cual han regresado al planeta a indagar a su creador.
Gran película aunque con pocas explicaciones al principio lo que no la torna muy comprensible hasta dar con el hilo de la historia.

PUNTUACIÓN: 9/10

PERDIDOS EN EL ESPACIO

Director: Stephen Hopkins
Año: 1998
Actores: Gary Oldman; William Hurt; Matt Le Blanc; Heather Graham

John Robinson (W. Hurt), es un padre de familia, aunque muy ocupado en sus misiones espaciales de los futuristas EEUU con que se nos presenta la remake de la popular serie de los ´60.

Cuando la familia Robinson prácticamente es instada por el patriarca a lanzarse en una misión espacial, no sabe que durante su letargo en las cápsulas de congelamiento, el Dr. Smith (G. Oldman) logra entrar a las cámaras de la nave antes del despegue con el objeto de sabotear la expedición. Pero algo falla en sus cálculos y acaba siendo proyectado junto a la familia Robinson en estado inconsciente. Luego de algunas peripecias espaciales, la familia acaba a la deriva en algún sitio del infinito universo, sin  esperanzas de escape.
Perdidos en el Espacio cobra sentido cuando luego de sufrir el ataque de una manada de arañas extraterrestres, el capitán a cargo de la nave, Mayor Don West (M. LeBlanc), admite desconocer el paradero de toda la tripulación, y de él mismo.
La película es bastante poco original desde lo argumental, no por ser la reedición de algo ya visto, que en otros casos da por resultado un buen film, sino por el rejunte de lugares comunes y frases que ¨ con echarles agua se hacen solas ¨.
Si un punto interesante hubiera sido las relaciones forjadas entre la familia durante la situación límite de estar perdidos en el espacio… olviden ver momentos de contenido emotivo en la película. Todo se centra en la acción, y en algún que otro guiño lacrimógeno que no da más que aburrimiento. Las actuaciones no están mal, pero es tan sencilla de desentrañar la historia de Perdidos en el Espacio, que pasa a ser un film de entretenimiento, sin más mérito que el de efectos visuales correctos y dinamismo esperable.
El Mayor West cumple el rol disidente y contestatario de un Han Solo muy inferior al presentado por la saga de George Lucas, pero quien a la vez tiene una relación hacia la hija mayor del clan (H. Graham) muy parecida a la cual mostraría el Capitán Solo con la Princesa Leia en Star Wars. Es decir: el de piloto espacial rebelde que conquista a la joven abocada a su trabajo y sin esperanzas de encontrar nunca el amor.

Y esto ya cae en personajes arquetípicos y que no despiertan casi ningún interés más que el de un espectador que juega a ver si adivina las cosas antes de que ocurran. Y eso pasa más que seguido.

PUNTUACIÓN: 4/10  

JUEGO DE PATRIOTAS

Dir: Phillip Noyce
Año: 1992
Actores: Harrison Ford; Anne Ratcher; Samuel L Jackson; James Fox; Sean Bean

Jack Ryan (H. Ford), antiguo miembro de la CIA, salva la vida de un miembro de la realeza durante un atentado perpetrado por el IRA, y aunque su valentía es reconocida en los medios de comunicación, también trasciende que asesinó a un joven miembro del grupo guerrillero. Su hermano mayor, Sean Miller (S. Bean) promete venganza y después de fugarse de prisión arremete contra la esposa (A. Ratcher) y la hija de Ryan.
Una película en la que los malos son malosos y los buenos son estadounidenses en tierra irlandesa. Donde los malos mueren acribillados y los buenos se salvan… por un pelo, pero acaban disfrutando de suculentos almuerzos en casas a orillas del mar.
Es decir, una película típicamente noventista de acción y sin ningún atisbo de originalidad, si bien apareció en los inicios de la década.
Si se sitúa en la filmografía de Harrison Ford, pueden verse elementos de otras películas, como persecuciones en lancha al estilo Indiana Jones y los Cazadores del Arca Perdida, escenas en los techos reclinados como en la excelente Frantic (aunque con mucha menos intensidad que en ese caso) y el esbozo típico de los personajes ¨ duros pero no tanto ¨ de Ford. Como también esta película marcó elocuentemente otras que le siguieron, como El Fugitivo, Peligro Inminente, Hollywood Homicide y los asuntos referentes al IRA retomados en Enemigo Íntimo.
Con esto quiero decir que la película Juego de Patriotas no es más que un divertimento de película típicamente Fordiana de la última década, que lo sitúa en papeles relajados y sin historias comprometidas, así traten de temas polémicos y que brindan al debate.
Es por eso que no considero a ésta una película imprescindible, sino un elemento más de la gran maquinaria de Hollywood para crear objetos de venta masiva pero olvidable.

PUNTUACIÓN: 4/10

ETERNO RESPLANDOR DE UNA MENTE SIN RECUERDOS

Director: Michel Grondy
Año: 2004
Actores: Jim Carrey; Kate Winslet; Elijah Wood; Kirsten Dunst; Mark Ruffalo

Joel y Clementine ( J. Carrey y K. Winslet) ven su relación algo desgastada y acaban separándose, pero Joel descubre que su ex novia también decidió borrar los recuerdos de su mente que la conectasen con él. La película trata casi con exclusividad del proceso de ¨ edición ¨ que sufre la mente de Joel cuando decide borrar también los recuerdos de Clementine. Las idas y venidas en el tiempo, los recortes de escenas, la superposición de momentos y una compleja trama de ¨ ficción psicológica ¨ hacen de esta película una historia muy extraña y a la vez original.
No puede despegarse la atención un momento porque eso significaría perder el intrincado hilo de la historia, que tiende a regresar sobre ciertos momentos de la historia para luego acelerarse y así sucesivamente.
Como ¨ cable a tierra ¨ también puede verse el momento ¨ real ¨ en que es borrada la mente de Joel, y eso nos afirma un poco en el tiempo verdadero en que se sitúa la historia.
Un film interesante, del que no puede adelantarse demasiado porque la acción se sitúa en este sencillo instante, en que la mente de Joel está siendo modificada, y al mismo tiempo, los recuerdos y sus intentos por detener el proceso la hacen atrapante y sugestiva.
Excelente actuación de un desacostumbrado Jim Carrey, que parece haber cuadruplicado su calidad en estos papeles serios y que demuestran las grandiosas interpretaciones de las que es capaz, sin apelar a gestos caricaturescos, que en un film como este más que a guiños de Ace Ventura parecerían una broma de mal gusto. Y, sobre todo eso, Carrey logra formar un personaje muy tierno y sensible, que va descubriendo los recovecos de la historia de la que es protagonista al mismo tiempo que el espectador.
La película es de ciencia ficción, en esencia, pero no limitada a un público fanático del género e inaccesible para todo el resto, aunque sí exclusiva para atentos que no despeguen fácilmente la atención de películas que requieren paciencia.

PUNTUACIÓN: 9.5/10

LOS TROPIEZOS DE JACK

Director: David Caffrey
Año: 1998
Actores: David Thewlis; Rachel Griffiths; Jason Isaacs; Laura Fraser

Este pseudo-policial de cine independiente se sitúa en la Irlanda agitada por el IRA y su personaje central es el atribulado Dan Starkey (D. Thewlis), un periodista que hace columnas políticamente incorrectas en los diarios y es sumamente débil ante los encantos de la estudiante Margaret (L. Fraser), que resulta haber sido la ex pareja de un conocido gángster, Cow Pat Regan (J. Isaacs).
Luego de las discusiones con su esposa y constantes negativas de uno de los candidatos a ministro al que el reportero no logra entrevistar, Starkey descubre que su amante tiene también buenos contactos con el poder irlandés. Habiendo recibido la añorada entrevista, la joven Margaret es asesinada en su departamento, y con un toque de humor negro, Starkey se asusta al ver el cadáver y tira por las escaleras a la madre de la difunta.
Tras una leve pista que le diera la mujer al morir y con la policía de todo el país persiguiéndolo, Starkey decide descubrir qué se escondía tras la trágica muerte de la joven. Con la ayuda de un colega comienza a escapar de los distintos grupos que le siguen los pasos, por nombrar los más emblemáticos habría que decir que a la policía se le suman ciertos grupos del IRA, partidos políticos a los que parece haber tocado ciertos intereses todo este asunto y las pandillas de Cow Pat.
La película fluctúa de una forma poco habitual entre la comedia, el drama y la acción, dando un resultado de bastante entretenimiento y con un argumento mucho más complejo del que parecía haberse gestado en la primera mitad.
Con cierta crítica política y una visión algo irónica de la tragedia, Divorcing Jack es una interesante obra, que recibió varios galardones de cine independiente aunque ningún premio popular.
David Thewlis desenvuelve con naturalidad el papel que le fue asignado, carácter en el que se lo suele situar, aunque en ese caso con un nivel de comicidad algo mayor que en otros casos. Jason Isaacs es también muy bueno en su rol de villano, otro de sus personajes más tradicionales.

PUNTUACIÓN: 8/10

Charlie y la Fábrica de Chocolate

Director: Tim Burton

Año: 2005

Actores: Johnny Depp, Freddie Higmore; Helena Carter; Noha Taylor; Christopher Lee

Más que una remake, y por la conocida tendencia de su director, esta película parece una  segunda visión de la misma novela en la que Mel Stuart se basó para, en 1971 hacer la primera versión de este clásico infantil.
Willy Wonka (J. Depp) es un mega fabricante de chocolates venido a menos, casi un mito, que inicia un vertiginoso concurso en el cual seis niños afortunados viajarán a su fábrica para hacer una visita guiada por el mismo dueño.
Pronto los ganadores comienzan a aparecer, y el retrato que se da de cada uno de ellos es tan acertado y perfecto que refleja los distintos estereotipos de chicos, que en un inicio pensados para otra época y con contadas adaptaciones en la versión de Tim Burton, son sumamente contemporáneos.
Por otro lado existe Charlie (F. Higmore), un niño pobre de los suburbios, que vive en una casa que homenajea a la habitada por el personaje camaleónico de Helena Carter en El Gran Pez, y que regresa en el papel de la madre de Charlie. El niño, desalentado al ver que los ganadores del premio a la visita son adinerados y poseen casi una industria a su disposición para ganar el premio, compra una última barra de chocolate con el dinero que le da su abuelo, otro personaje entrañable y muy cómico.
Charlie, por fin, encuentra el boleto dorado que le abre las puertas de la fábrica, y allí se inicia una seguidilla de momentos deslumbrantes, tanto en lo estético como en las interpretaciones de sus personajes.
Lo interesante de esta película, si bien Burton ya nos tiene acostumbrados  ello, puede verse que hasta los actores de reparto tienen papeles muy cuidados y de una gran profundidad, por más que encarnen a la visión más superficial y desalentadora del mundo.
Y es que hablar de una película de Burton hace casi necesario rememorarnos a otros de sus clásicos, como Ed Scissorhands (El Joven Manos de Tijera) donde Depp interpretó a ese increíble personaje y en el que su entorno mostraba con una claridad absoluta la dicotomía de realidades.
Johnny Depp realiza un trabajo tan estupendo que si no fuera por la perfección del entorno resultaría sacado de contexto, pero es que todo en esta película está muy cuidado, casi hasta la obsesión, que en productos de este tipo, enriquecen el resultado.
Y, creo yo, que uno de los retos de Burton pudo ser el de no convertir la película en una comedia infantil y nada más… pero lo superó sin ningún problema al tomar la historia desde la auto-parodia, aunque siempre evitando lo inusitado. La película se ríe de los clichés mismos de su historia, y la ironía hace que el espectador no suelte suspiros de ¨ esto ya lo viví ¨  
Uno de los elementos que se suman al folklore de personajes de Burton, es, sin duda, la presencia de los Oompa Loompa, increíbles fabricantes de chocolate.
Y, como si esto fuera poco, las canciones son muy cómicas y se hacen varias alusiones a clásicos del cine, como un sectario chiste sobre 2001 Odisea en el Espacio.
También hace su aparición Christopher Lee, en los flashback de Willy y su relación con un padre odontólogo.

PUNTUACIÓN: 9/10

ENTREVISTA CON EL VAMPIRO

Director: Neil Jordan
Año: 1994

Actores: Tom Cruise; Brad Pitt; Antonio Banderas; Kirsten Dunst; Stephen Rea

El vampiro Louis (B. Pitt) cuenta su historia a un reportero en el San Francisco de los noventa, pero rápidamente el relato se torna épico. Cuenta del inicio en su vida vampírica después de ser mordido por Lestat (T. Cruise) quien le enseña la vida desde la inmortalidad. Louis al principio tiene muchas cavilaciones. Muerta su esposa al dar a luz, no esperaba hallarse en el lugar de vivir eternamente, y aún menos le agrada la idea de matar cada noche para fortalecerse. Al atacar a una niña, Claudia (K. Dunst) la joven se une al clan y muestra rápidamente un carácter más fanático que el de su ¨padre creador¨, Louis, en cuestión. Pero con el correr de los años, ella descubre que jamás crecerá, y es el drama de la vida eterna lo que la lleva a acabar con el demoníaco Lestat. Habiendo escapado con Lois, hallan una suerte de colonia de vampiros llevada en los sótanos de un teatro por el enigmático Armand (A. Banderas).
Una película basada en la novela de Anne Rice y llevada a cabo con un detallismo deslumbrande. El argumento rompe con muchos cánones del género y se adentra en el sentido más profundo del vampirismo, aunque sin olvidar algunos ribetes clásicos y necesarios de la mítica historia.
Es una interesante historia, ya que logra que sus protagonistas, a veces confundidos con el estereotipo de ¨ carilindos sin talento ¨, se desenvuelvan muy bien en la película y tengan momentos realmente emotivos. En lo personal, no creí que fuera tan buena, ya que no sigo a ninguno de los actores de este elenco, pero es evidente que si la historia es buena, sus intérpretes, en este caso Pitt, Banderas y Cruise, pueden ponerse a la altura y dar con un producto de mucha calidad.

PUNTAJE: 8.5/10

BÚSQUEDA FRENETICA

Director: Roman Polansky
Año: 1988
País: USA/Francia
Actores: Harrison Ford; Betty Bunckley; Emmanuelle Seigner

El Dr Richard Walker (H. Ford), viaja a París para una conferencia médica. Ya en la habitación del hotel, su esposa Sondra (B. Bunckley) descubre que la línea aérea confundió su valija e inicia los trámites para recuperar la suya. Luego del arduo viaje la pareja está sumamente cansada y en el momento en que Walker se toma una ducha, su esposa le hace gestos inaudibles desde la habitación y se retira. Con el correr de las horas, Walker empieza a impacientarse por el paradero de Sondra, y la sensación de que ha sido secuestrada crece en él.
A partir de ese momento, el título de la película parece cobrar un sentido irónico. Walker está desesperado por saber algo de su esposa, a la que parece habérsela tragado la tierra, pero la burocracia, tanto de la policía francesa como en la embajada estadounidense no le da ayuda. Las escenas son prolongadas y con un ritmo poco común en películas que podrían considerarse de ¨acción¨. Pero en verdad es un prejuicio lo que crea previas dudas en la película. Es sabido que Ford interpretó a un sinfín de personajes simples en películas llenas de tiros y sin mucho más argumento, pero en esta se muestra exactamente lo contrario. La historia se antepone a la acción y el estilo se asemeja más al de un film independiente, por sus cámaras temblorosas y escenas de primeros planos, que a una producción taquillera.
Las actuaciones son brillantes y el protagonista muestra la desesperación de un hombre que no sabe si va tras una pista o su simple imaginación. A lo largo de la película, las pistas llegan de a poco y la historia se encamina hacia lugares más oscuros. Los personajes que toman partido son elementos típicos y muy bien trazados del suburbio urbano, y hay más de una escena perfecta: la conversación con el vendedor de cocaína en el club y luego el habitáculo del baño, la llegada de Ford a la casa de Dedé y su vigilia en la escalera y la secuencia desesperante sobre el techo.
Lo más interesante de todo es que el protagonista no se torna un héroe perfecto, sino que conserva la impotencia de un hombre común puesto en el drama que quizás sería bien paleado por alguien como Indiana Jones, pero en este caso adaptado a la vida cotidiana.
Ahora sí, el asunto del cierto costumbrismo puede generar dos reacciones. O el deleite ante las imágenes detallistas y las escenas prolongadas, o el aburrimiento de quienes prefieren la acción o simplemente una velocidad más atrapante desde lo visual.

SENTENCIA: Excelente película y uno de los papeles más prolijos de su protagonista. (9/10)

MEJOR… IMPOSIBLE

Director: James L. Brooks
Año: 1997
País: USA
Actores: Jack Nicholson: Grez Kinnear; Helen Hunt

REVELACIONES.

Director: Robert Zemeckis
Año: 2000
País: USA
Actores: Harrison Ford, Michelle Pfeiffer

Norman Spencer (H. Ford) es un hombre sumamente abocado a su trabajo de investigación, y mientras se encuentra compenetrado en los avances sobre diversos procesos químicos de su autoría, su esposa escucha voces en la casa y corre por los pasillos en sucesivos ataques de nervios. Así comienza esta típica película de suspenso de los últimos años. Una casa grande y oscura, una mujer de nervios alterados y gran tendencia al chusmerío, un esposo escéptico que la manda al psicólogo, unos vecinos esquivos y enigmáticos y un muelle en el patio trasero.
El problema de la película es que da la impresión de haberse escrito de atrás para adelante, es decir, que primero los autores pensaron el final y luego forzaron todas las situaciones de modo poco creíble para que lleguen a ese puerto. Como en toda película de suspenso mediocre, lo único que choca es la musicalización, no así las imágenes que por momentos sorprenden pero no sofocan ni mucho menos. Parece una versión adulta de ciertos capítulos de ¨ Le Temes a la Oscuridad? ¨ por el rejunte de desenlaces típicos del género: malos que no mueren nunca, malos que dejan huellas de sangre y de barro, gente que finge estar dormida. Visiones a través de prismáticos, rendijas en las cercas y puertas de baños entornadas. Pero, en sí, no aporta nada y el resultado es el que podría preverse a partir de mediados de la película.

Acaso lo mejor son las interpretaciones de los protagonistas, pero que no llegan a momentos sobresalientes ni mucho menos.
La película comienza orientada hacia un lugar común: Mi-asesino-mató-a-su-esposa y luego cobran estilo de flash back, que la hacen más interesante por el asunto de ir recavando datos, pero no por eso la convierten en un film novedoso.

SENTENCIA: Prescindible a menos que se sea fanático de los actores principales y se busque ir tachando títulos de sus respectivas filmografías. (6/10)

LA ISLA DEL DR MOREAU (The Island of Dr Moreau)

Director: John Frankenheimer
Año: 1996
País: USA-Inglaterra-Australia

Actores: David Thewlis; Marlon Brando; Val Kilmer; Fairuza Balk

Edward Douglas (D. Thewlis) es el único sobreviviente de un naufragio que transportaba miembros de la ONU y quedó a la deriva luego de un muy acertado ataque de tiburones. Siendo recogido por un buque que transportaba animales, Douglas recibe los poco fiables consejos médicos de (Val Kilmer). Ante la descartada expectativa de quedarse junto a unos marinos con varios meses en altamar, Douglas decide desembarcar en la isla donde se hará el ¨delivery¨ de conejos y animalitos varios.
Las cosas comienzan a complicarse cuando el hombre conoce a la hija de quien parece ser un científico con cierto delirio místico. Aissa (Fairuza Balk) es algo esquiva, pero temina siendo la más normal de la isla si tomamos en cuenta que el susodicho Dr Moreau es acicalado en su cabaña por la manada de mutantes que, como era de esperar son de su autoría. Unos apenas interesantes diálogos se gestan en la cabaña en tanto a la ética de mezclar genes humanos con animales. Era de esperar que Moreau defendiera su proyecto como plan de mejoramiento universal escudado en la evolución biológica (algo alterada, pero biológica al fin) y Douglas encarnara al buen hombre de moral elevada que halla en esto un despropósito y una barbarie.
Entre tanto, las creaciones del Dr Moreau lucen cuerpos con características humanas, pero las facciones animales de las que proceden.
La Isla del Dr Moreau es en realidad una remake de la película rodada en 1977 por Don Taylor y con crítica menos destructiva. Es que la obra del ´96 es en verdad floja. La historia no parece creíble en casi ningún momento, el argumento es lisa y llanamente tonto y los personajes estereotipados hasta el hartazgo. Ninguno de los actores, si bien en su mayoría poseen vastas carreras, se lucen en lo más mínimo y la película acaba siendo un divertimento para quienes nos entretiene recavar las fuentes de tantas parodias ¨ simpsonianas ¨.
No tan aburridas son las anécdotas acerca del rodaje. Incluso David Thewlis planea hacer un libro en el que ratificará todas las conjeturas que se entramaron al respecto, incluso las más bizarras y descabelladas.

Sentencia: Para mirar de reojo y con una ceja levantada (3/10)